Die Frauen der amerikanischen Land Art

Sep 06, 2023

VonD MagazineOktober2023

Unter dem Garten des Nasher Sculpture Center fließt ein Bach. In einem trockenen Jahr wie diesem ist es kaum mehr als ein Rinnsal, wenn überhaupt Wasser fließt. Aber wenn es regnet, kann der unterirdische Bach vom Freedman's Memorial Cemetery in Uptown bis hinunter zum Trinity River verfolgt werden.

Kuratorin Leigh Arnold erinnert sich, dass sie von diesem Stream gehört hat, als sie vor 10 Jahren anfing, im Nasher zu arbeiten. Man sagte ihr, der Secret Service sei gekommen, um die Räumlichkeiten zu durchsuchen, bevor die ehemalige First Lady Laura Bush das Museum besuchte. Ein Schachtdeckel musste dauerhaft versiegelt werden, da es denkbar war, dass jemand den Auslass finden und ihm unter der Erde, unter dem Design District und durch Little Mexico bis hinauf in den Garten folgen könnte.

Arnold dachte, die Geschichte könnte apokryphisch sein. Dennoch teilte sie es während eines Atelierbesuchs mit der Künstlerin Mary Miss, in Vorbereitung auf „Groundswell: Women of Land Art“, die große Ausstellung, die am 23. September im Nasher eröffnet wurde und bis zum 7. Januar zu sehen sein wird. „Groundswell“ ist nicht weniger als ein Versuch, die Geschichte der Land Art neu zu definieren und zu rekonstruieren, indem man sich auf 12 der Künstlerinnen konzentriert, die zu diesem Bereich beigetragen haben, von denen die meisten aus dem Kanon ausgeschlossen sind.

Fräulein ist eine von ihnen. Die 79-jährige Künstlerin hat einen Großteil ihrer fast sechs Jahrzehnte währenden Karriere damit verbracht, die Verbindung von gebauter Umwelt und Natur zu erforschen. In den letzten Jahren interessierte sie sich zunehmend dafür, die sichtbaren und unsichtbaren Infrastrukturen aufzudecken, die unser Leben organisieren. Genauer gesagt hat sie viel Zeit damit verbracht, verschüttete Wasserwege wiederherzustellen. Der Nasher plante, Miss mit der Anfertigung eines Stücks für die Ausstellung zu beauftragen – dem einzigen neuen Werk in einer überwiegend historischen Ausstellung. Und was einst nur ein Stück Museumsgeschichte war, ist zu einem ortsspezifischen Kunstwerk geworden: Stream Trace: Dallas Branch Crossing.

Im Garten hat Miss eine Reihe polierter Edelstahlskulpturen geschaffen, um zu markieren, wo der Bach unter der Erde fließt. Während der gesamten Dauer der Ausstellung veranstalten lokale Künstler Spaziergänge, die Besucher vom Museum aus entlang des Bachlaufs führen. Für Miss sind diese Spaziergänge ebenso Teil der Kunst wie die schimmernden Xs, die sie für den Garten geschaffen hat.

„Künstler können eine wesentliche Rolle dabei spielen, uns zu helfen, unsere Beziehung zur Umwelt und zu den Ökosystemen, die unser Leben unterstützen, zu verstehen“, sagte Miss in einem öffentlichen Gespräch in diesem Frühjahr mit Arnold. „Gehen war für mich eines der wichtigsten Dinge, denn es ist eine Möglichkeit, Menschen mit einem Ort, einem Raum oder was auch immer ich sie auf mich aufmerksam machen möchte, in Kontakt zu bringen.“

Wenn Ihnen die Vorstellung, eine Ausstellung zu besuchen und dann wieder das Museum zu verlassen, etwas abwegig vorkommt, dann sind Sie in der Welt der Land Art willkommen.

In den 1960er und 1970er Jahren verließen Künstler ihre Ateliers und schufen Werke in der Natur. Sie tauschten ihre Leinwände gegen Seen und Berge ein. Einige Werke waren passiv und vergänglich; einige waren bombastisch und dauerhaft. Der Künstler Walter De Maria sagte bekanntlich: „Mein neuer Pinsel ist die Raupe.“

Land Art (oder Earth Art, wie sie auch genannt wird) wird manchmal als eine Anti-Galerie-Bewegung beschrieben, obwohl es schwierig sein kann, die breite Palette an Kunst, die unter das Banner fällt, in eine politische Haltung einzuordnen. Für einige Künstler hatten die sicheren Räume der Galerien mit weißen Wänden keinen Bezug zu den turbulenten Zeiten (z. B. dem Vietnamkrieg, der Bürgerrechtsbewegung, der zweiten Welle des Feminismus, dem Wettlauf ins All), in denen sie lebten. Es kann die Form von Öko-Kunst annehmen und die Aufmerksamkeit auf Umweltthemen lenken. Oder es kann mit historischen oder prähistorischen Nutzungen oder Missbrauch des Landes interagieren. Manchmal ist es überhaupt nicht politisch. Für alle Künstler, die unter diese Bezeichnung fallen, wurde die Erde, insbesondere die ausgedehnten Wüsten- und Präriegebiete Nordamerikas, zum Objekt, zum Werkzeug, zur Muse.

Das kanonische Verständnis von Land Art bleibt jedoch recht begrenzt. Die berühmtesten Werke gehören nur drei Künstlern: De Maria, Michael Heizer und Robert Smithson. Sie werden gelegentlich als „Dreifaltigkeit der Land Art“ bezeichnet, vielleicht nicht nur wegen ihrer Anzahl, sondern weil sie in ihren Werken oft die Rolle eines Gottes spielten und sich in die Natur einmischten.

In einigen Fällen wurden Materialien an einem abgelegenen Ort hinzugefügt, um die Landschaft zu manipulieren oder zu verändern, wie zum Beispiel Smithsons Spiral Jetty, für den er 6.000 Tonnen schwarzes Basaltgestein in den Großen Salzsee in Utah einbaute und so eine 1.500 Fuß lange Windung schuf Spule. In anderen Fällen wurden Elemente entfernt, beispielsweise in Heizers „Double Negative“, für das er Erde aus einem Tafelberg in Nevada herausschnitt, um einen riesigen Graben zu schaffen.

In einem von De Marias berühmtesten Werken, „The Lightning Field“, platzierte er 400 20 Fuß hohe, polierte Edelstahlstangen in der Hochwüste von New Mexico, die gelegentlich mit dem elektrifizierten Himmel in Kontakt kommen. Diese Arbeiten waren gewaltige Unternehmungen, die es diesen Künstlern ermöglichten, ihre Hybris auf das Land zu übertragen. Vor vierzig Jahren schrieb die Kunstkritikerin Lucy Lippard über einen männlichen Künstler, der ihr halb im Scherz sagte: „Die Natur ist mein Sklave.“

Aber genug von den Männern.

Arnold schlug 2016 die Idee einer rein weiblichen Land-Art-Ausstellung vor. Sie war ein Jahrzehnt zuvor aus Nebraska nach Dallas gekommen, um als Assistentin der Geschäftsleitung bei Heritage Auctions zu arbeiten. Nebenbei absolvierte sie ein Praktikum bei der Chinati Foundation in Marfa, arbeitete als Stipendiatin am Dallas Museum of Art, adoptierte drei Möpse, gründete eine Familie (ihre Tochter wird diesen Monat drei Jahre alt) und wurde zur Kuratorin am Nasher ernannt 2014. Sie hat an Ausstellungen von David Bates, Mark Grotjahn und Melvin Edwards mitgearbeitet und Piero Golias Chalet Dallas-Projekt betreut, das eine der Nasher-Galerien in eine schicke, kunstorientierte Lounge und einen Veranstaltungsraum verwandelte. Ihr Hauptfach ist jedoch nach wie vor die Land-Art.

Vor sieben Jahren verteidigte sie an der UTD ihre Doktorarbeit, die sie über Smithson geschrieben hatte. Zuvor hatte sie 2014 eine kleine Ausstellung im DMA mit dem Titel „Robert Smithson in Texas“ kuratiert. Dabei lernte sie Nancy Holt kennen, Smithsons Frau und selbst eine bedeutende Künstlerin. Arnold erinnert sich, wie beeindruckt sie war, wie wenig sie über Holts Karriere wusste, obwohl sie sich schon so lange mit zeitgenössischer Kunst und insbesondere mit Erdarbeiten beschäftigt hatte.

Obwohl Holt zu Lebzeiten im Schatten ihres Mannes stand, leistete sie wichtige Beiträge auf diesem Gebiet. Sie ist vor allem für Sun Tunnels bekannt, eine Land-Art-Installation in der Great Basin Desert in Utah. Sie arbeitete mit Ingenieuren, Astrologen, Bauunternehmern und Kranführern zusammen, um vier 22 Tonnen schwere zylindrische Betonkonstruktionen zu schaffen, die die Umrisse von Sternbildern enthielten und auf das Muster der Sonne während der Sonnenwende ausgerichtet waren. Sie sind groß genug, dass Besucher hindurchgehen können, ohne sich bücken zu müssen, und sie werden zu visuellen Hilfsmitteln, mit denen die Menschen einen gerahmten Blick auf die ansonsten riesige Wüste werfen können. Aber das war nur der Anfang für Arnold, der sich in Holts gesamtes Werk verliebte.

„Ihre Arbeit wurde mir in der Schule nicht wirklich beigebracht“, sagt Arnold. „Man stellt einfach die Frage: ‚Warum ist das so?‘ Und du hasst es, es dem Geschlecht zuzuschreiben, aber ich habe mich gefragt: Wenn es Nancy gibt, wer ist dann noch da?“

Wenn Arnold eine Frage stellt, verzieht sich ihr Mund zu einem listigen, intriganten Lächeln. Sie stellt gerne Fragen, weil es ihr wirklich Spaß macht, Antworten zu finden. Die 41-jährige Kuratorin hat langes, dunkelblondes Haar und kleidet sich irgendwo zwischen einer Ostküsten-Akademikerin und einer coolen Millennial-Mutter. Ihre Ästhetik scheint Eileen Fisher und Faherty in einem Schrank zusammenzufassen. Sie wirkt immer entspannt, cool, gefasst, spricht langsam und methodisch, bis das Gespräch auf etwas Überraschendes stößt, das sie bei ihren Recherchen entdeckt hat – etwas, das sie kaum erwarten kann, es einem Publikum mitzuteilen. Sie beschreibt diesen Vorgang als „Aufladung“.

„Ich bin einfach ein Nerd, wenn es darum geht, Dinge zu wissen“, sagt Arnold. „Und es ist einfach ein wunderbares Gefühl, diese Informationen selbstsüchtig weiterzugeben und Menschen mit der Geschichte bekannt zu machen, die ihnen vielleicht nicht bewusst ist.“

Der Dallas Observer nannte sie einmal die „Indiana Jones of Dallas Art“, weil sie einen Großteil ihrer Karriere damit verbracht hat, Geschichten auszugraben und zu bewahren. Bevor sie zum Nasher kam, war sie Co-Kuratorin einer Ausstellung im DMA mit dem Titel „DallasSITES: Charting Contemporary Art, 1963 to Present“, für die sie ein Archiv mit mündlichen Überlieferungen der Künstler, Kuratoren und Wissenschaftler der Stadt erstellte. Es ist vielleicht die gründlichste und prägnanteste Dokumentation der Rolle, die Kunst in Dallas bisher gespielt hat, und fügt der öffentlichen Aufzeichnung ganze Kapitel und Charaktere hinzu, die zuvor übersehen wurden.

„Ich denke, wenn man Geschichten erzählt, die nicht so oft erzählt werden, greift man auf einen Wissensschatz zu, der über ein eigenes Netzwerk verfügt“, sagt Arnold. „Und ich glaube, ich mag die Außenseiter irgendwie.“

Eine ihrer Inspirationen für „Groundswell“ war die Untersuchung der Art und Weise, wie die Landkünstlerinnen, die als Gleichaltrige und sogar Freunde mit den Männern zusammenarbeiteten, völlig aus der Geschichte dieser Zeit gelöscht wurden. Arnold verweist auf die beiden bahnbrechenden All-Men-Ausstellungen aus den späten 1960er Jahren, „Earthworks“ in der Dwan Gallery in New York und „Earth Art“ an der Cornell University.

Erst in den letzten Jahren haben Museen einige Ausstellungen bedeutenden Künstlerinnen dieser Zeit gewidmet, darunter Agnes Denes und Judy Chicago. Im Jahr 2018 versuchte die Kritikerin Megan O'Grady, die für die New York Times schrieb, herauszufinden, warum es so lange gedauert haben könnte, diesen Künstlern ihren Tag in der Sonne zu gönnen: „Heute erscheint Land Art als eine nahezu perfekte Destillation des Die Geschichte der männlichen Privilegien in der Kunstwelt ist geprägt von der Überzeugung, dass der Mensch Anspruch auf Raum hat, in dem er sich bewegen und sein Zeichen setzen kann.“

„Groundswell“ wird die erste echte Umfrage unter Künstlerinnen dieser Zeit sein. Wenn es eine Eigenschaft gibt, die die Frauen in dieser Ausstellung gemeinsam haben, dann ist es ihre Ehrfurcht vor dem Land, ihr Interesse daran, sich um den Planeten zu kümmern, so wie Museen ein seltenes Kunstwerk bewahren. Eine von ihnen, Lita Albuquerque, beschreibt die Erde sowohl als Zeichenfläche für die Künstler, auf der sie etwas erschaffen können, als auch als Erde als die Kunst selbst. In diesem Fall kann die Rolle des Land-Künstlers manchmal einfach darin bestehen, einen Rahmen zu schaffen, um die Welt, in der wir leben, neu zu überdenken.

„Kürzlich dachte ich: Wow, wenn die Erde eine Skulptur im Weltraum ist, dann ist der Kosmos eine Installation, an der wir jeden Tag teilhaben“, sagt Albuquerque.

Bei der Zusammenstellung dieser Ausstellung stand Arnold vor mehreren großen Fragen. Beim ersten ging es darum, welchen Zeitplan sie verwenden wollte. Erdarbeiten sind wohl eine der ältesten Formen der Schöpfung (siehe: Stonehenge, die Nazca-Linien, die Pyramiden), aber die offizielle Bewegung der Land Art dauert normalerweise etwas mehr als ein Jahrzehnt und endete 1974, als sie institutionalisiert wurde. Zu diesem Zeitpunkt begannen nationale Organisationen wie die Dia Art Foundation oder Stadtprojekte wie der Artpark Buffalo, Finanzierungs- und Ausstellungsmöglichkeiten für großformatige Werke zu schaffen, viele davon mit gerechteren offenen Ausschreibungsstrukturen.

Einer Definition zufolge verstieß die Arbeit in städtischen oder künstlerischen Einrichtungen – die Beantragung von Stipendien oder die Ausstellung in Skulpturenparks – gegen die eigentliche Natur des Unterfangens. Aber für Arnold trägt die Beschränkung auf die schurkischen, rebellischen Jahre nur dazu bei, die damals arbeitenden Frauen auszulöschen, von denen viele schließlich in die Kategorie der öffentlichen Kunst geworfen werden. Vor diesem Hintergrund erweitert „Groundswell“ die Zeitachse bis 1990.

Eine weitere große Frage beschäftigte viele Museen und Galerien im Laufe der Jahrzehnte: Wie bringt man Erdarbeiten in ein Museum? Es gibt vier traditionelle Ansätze: Dokumente, Nicht-Standorte, Installation und ortsspezifische Arbeiten. Diese Ausstellung wird sie alle beschäftigen.

Am einfachsten ist die Dokumentation – seien es gerahmte Planungsskizzen oder Abmessungen oder Fotos und Videos des endgültigen Projekts. Einige Werke der Ausstellung werden notwendigerweise auf diese Weise gezeigt, wie zum Beispiel Árbol de la Vida (Baum des Lebens) (1976), ein Werk, in dem die kubanisch-amerikanische Künstlerin Ana Mendieta am Fuß eines mit Schlamm verputzten Baumes stand. Mendieta ist eine der Künstlerinnen der Ausstellung, deren Arbeit eine direkte Verbindung zwischen dem weiblichen Körper und der Landschaft herstellt. Sie war besorgt über die Gewalt, die auf „Mutter Erde“ verübt wurde.

Arnold war daran interessiert, verschiedene Perspektiven für diese Ausstellung und Herangehensweisen an das Kunstschaffen zu finden. Sie arbeitete mit mehreren Stiftungen und Kuratoren zusammen, um die Archive von Beverly Buchanan aufzuspüren, einer afroamerikanischen Künstlerin, die Zusammenhänge zwischen Erinnerung und Geografie erforschte. „Groundswell“ zeigt ihre Skizzenbücher, Skulpturen und Gemälde, darunter eines, das seit den 70er Jahren nicht mehr in einem Museum gezeigt wurde.

Andere Erdarbeiten in der Ausstellung fallen in die Kategorie, die Smithson als „Nicht-Standorte“ bezeichnete, in der natürliche Elemente in Galerieausstellungen integriert werden, um einen Ort in der Natur zu kennzeichnen, aber nicht unbedingt nachzubilden. Eine der „Groundswell“-Künstlerinnen, Michelle Stuart, ist dafür bekannt, Erdkisten, Schriftrollen und Gemälde zu schaffen, in denen sie Aspekte der Natur einbezieht, indem sie natürliche Materialien in neue Kunstformen einrahmt oder sogar zermahlt. Ihr Prozess wurde von Lippard einst als „Berge in Sandkörner reduzieren“ beschrieben.

Für Stuart und viele andere Frauen in dieser Ausstellung ging es beim Schaffen von Kunst auf dem Land weniger um Beständigkeit oder Besitz. „Die meisten meiner Arbeiten waren aktuell. Ich habe keine Dinge getan, von denen ich wollte, dass sie für immer bestehen bleiben“, sagte Stuart 2022 zu ArtNet. „Für mich waren das vorübergehende Werke für diejenigen, die hingehen und daran teilnehmen wollten.“

Die vergängliche Qualität vieler Arbeiten aus dieser Zeit machte Arnolds Aufgabe noch schwieriger. Eine der Hauptinstallationen in der Ausstellung ist eine Nachbildung von Holts Skulptur „Pipeline“ aus dem Jahr 1986, einem großformatigen Werk, das außerhalb des Nasher entstehen, sich durch die Galerie schlängeln und im Garten enden wird, wo eine bestimmte Substanz tropfen wird wie Öl aussehen. Es wurde von Holts Zeit in der Landschaft Alaskas inspiriert. Doch der 2014 verstorbene Holt hinterließ nur wenige feste Parameter: Es wäre ein 12-Zoll-Stahlrohr; es sollte von Handwerkern zusammengebaut werden; es hätte einen Außen-Innen-Außen-Pfad. Arnold hat mit einem Team von Kunstkonservatoren und einem Rohrleitungsbauunternehmen zusammengearbeitet, um diese Skulptur nachzubilden.

„Dies ist ein Remake einer Skulptur, die ich für so wichtig halte“, sagt Arnold. „Und jetzt, da wir herausgefunden haben, wie wir etwas adaptieren können, das seit Lebzeiten des Künstlers nicht mehr geschaffen wurde, kann die Skulptur hoffentlich in Zukunft ein weiteres Leben an anderen Institutionen haben.“

Eine weitere Installation wird Maren Hassingers „Decke der Zweige“ sein, die ursprünglich 1986 für das Contemporary Arts Forum in Santa Barbara geschaffen wurde. Hassinger setzte aus gesammelten Ästen einen beeindruckenden Baldachin zusammen und lud ihre Künstlerfreunde, darunter die Gewinnerin des Nasher-Preises 2023 Senga Nengudi, ein, darunter aufzutreten. Auf diese Weise erwachten die abgestorbenen Äste zu neuem Leben. Besucher von „Groundswell“ gehen unter einer neuen Version hindurch, um das Museum zu betreten.

Doch um wirklich zu verstehen, wie Kunst mit der Natur interagieren kann, müssen Besucher von „Groundswell“ das Museum erneut verlassen. Arnold hat Fair Park Lagoon als eines der Werke der Ausstellung aufgenommen, das ihrer Meinung nach eines der bedeutendsten von einer Frau geschaffenen Land-Art-Stücke ist. Patricia Johansons Skulptur, die 1986 fertiggestellt wurde, besteht aus terrakottafarbenen Strukturen, die sich um und durch das fünf Blocks große Wasserspiel schlängeln, das sich hinter dem ehemaligen Science Place befindet. Das Design basierte auf zwei in Texas heimischen Wasserpflanzen: Sagittaria platphylla oder die Delta-Entenkartoffel und Pteris multifida, ein Farn.

Obwohl es sich aufgrund von Managementänderungen mitten im Projekt nicht um ein vollständig realisiertes Stück handelt, wurde mit dem Endergebnis das Ziel der Kommission erreicht, nämlich die Erosion der Ufer der Lagune zu verhindern. Dieser Auftrag ermöglichte es Johanson auch, ihre Zeichen- und Skulpturenpraxis von der Seite in die Welt zu tragen. Insbesondere ihre Serie „House & Garden“ aus dem Jahr 1969, in der sie sich die Schaffung von Wassergärten in gefährdeten Umgebungen vorstellte.

„Es ist ein unglaubliches Beispiel für Land Art in Texas“, sagt Arnold. „Und es ist auch dieses wahnsinnig erfolgreiche Kunstwerk im öffentlichen Raum. Es ist völlig zugänglich und Menschen und Familien haben all diese Erinnerungen, die sie damit verbinden.“

Dass viele der Menschen, die damit interagiert haben, es nicht mit der Ehrfurcht behandeln, mit der sie ein Gemälde von Jackson Pollock, eine Skulptur von Mark di Suvero oder sogar Smithsons Spiral Jetty behandeln könnten, macht es für Arnold umso interessanter. Während ihre männlichen Kollegen Dynamit und Bulldozer einsetzten, um Berge zu schnitzen, erforschte Johanson, welche Pflanzen das biologische Ökosystem einer Lagune in Dallas wiederherstellen könnten.

Die Geschichte der Land Art, zumindest die, die Arnold zu erzählen versucht, handelt nicht von Künstlern, die versuchen, die Natur zu kontrollieren, sondern von Künstlern im Gespräch mit der Erde, mit Ökosystemen, mit der Geschichte – und miteinander. Als erste große Museumsumfrage über Frauen in der Land Art schreibt „Groundswell“ die Geschichte nicht so sehr neu, sondern fordert sie zurück, indem es die leeren Seiten ausfüllt.

„Ich bin wirklich daran interessiert, das Narrativ der Land Art auseinanderzunehmen, als würde man das Studio verlassen und Neuland betreten“, sagt Arnold. „Eine leere Landschaft gibt es nicht. Es gibt keine leeren Wüsten. Unter dem Nasher fließt ein Bach.“

Um den Weg des Wassers zu finden, suchte Miss in alten Karten und in der Form des Landes selbst nach Spuren davon. Sie ging in Parkhäuser hinunter und lauschte darauf, und sie ging immer wieder verschiedene Wege vom Nasher bis zum Trinity River und schaute dabei genau auf den Boden.

Schließlich, eines Tages nach einem starken Regen, sagte sie, sei ein Mann mit einem Lastwagen auf dem Deich vorgefahren und habe ihr die Informationen gebracht, die sie brauchte – den Namen von jemandem, der ihr die Übersicht über die Filiale in Dallas mitteilen konnte. Für Miss war die Verfolgung des Stroms sowohl eine Form des Kunstschaffens als auch eine Zusammenarbeit mit der Stadt und dem Museum. Und mit der Erde selbst.

Diese Geschichte erschien ursprünglich in der Oktoberausgabe des D Magazine mit der Überschrift „Women of Earth“. Schreiben Sie an [email protected].